Saiba mais sobre "The Red Studio", de Henri Matisse

Matisse consegue seu lugar na linha do tempo da pintura por causa do uso da cor. Ele fez coisas com cores que ninguém tinha antes e influenciou muitos artistas que o seguiram. Matisse's Estúdio Vermelho é importante por seu uso de cores e sua perspectiva achatada, sua alteração da realidade e nossa percepção do espaço.

Ele o pintou em 1911, após sua exposição à arte islâmica tradicional durante uma visita à Espanha, o que influenciou seu uso de padrão, decoração e representação do espaço. Estúdio Vermelho é agrupado com três outras pinturas que Matisse fez naquele ano - A Família do Pintor, The Pink Studio, e Interior com beringelas - em pé "em uma encruzilhada para a pintura ocidental, onde a clássica arte voltada para o exterior e predominantemente representacional do passado encontrou o ethos provisório, internalizado e autorreferencial do futuro"1.

Os elementos que Matisse incluiu "afundar suas identidades individuais no que se tornou uma meditação prolongada sobre arte e vida, espaço, tempo, percepção e a própria natureza da realidade.

"2 Ou, dito de maneira muito mais simplista, ele pintou uma realidade pessoal, o mundo como ele o percebia e vivenciava, de uma forma que fazia sentido para ele.

Se você olhar para suas pinturas anteriores, como Harmonia em Vermelho, pintado em 1908, você verá que Matisse estava trabalhando para o estilo em Estúdio Vermelho, não apareceu do nada.

Mas a perspectiva está totalmente errada...

Matisse não entendeu a perspectiva "errada", ele pintou do jeito que ele queria. Ele achatou a perspectiva da sala e alterou-a de como percebemos a perspectiva com nossos olhos.

A questão de obter a perspectiva "certa" aplica-se apenas se você estiver tentando pintar em um estilo realista, isto é, criar uma ilusão de realidade e profundidade em uma pintura. Se esse não for o seu objetivo, você não pode obter a perspectiva "errada". E não é que Matisse também não soubesse como acertar; ele simplesmente escolheu não fazer dessa forma.

Uma pintura é, em última análise, uma representação ou expressão de algo recriado em duas dimensões, não precisa ser uma ilusão de três dimensões. Os estilos de pintura ocidentais antes do Renascimento não usavam o que agora consideramos uma perspectiva tradicional (por exemplo, gótica). As formas de arte chinesa e japonesa nunca o fizeram. O cubismo divide deliberadamente a perspectiva, representando um único objeto de vários pontos de vista.

Não se engane pensando Estúdio Vermelho é uma pintura ou estilo totalmente plano. Ainda há uma sensação de profundidade na sala, criada pela disposição dos elementos. Por exemplo, há uma linha à esquerda onde o piso e a parede se encontram (1). Os móveis podem ser reduzidos a contornos, mas as bordas da mesa ainda se inclinam à medida que se distanciam (2), assim como a cadeira (3). As pinturas na parte de trás estão claramente apoiadas contra uma parede (4), embora não haja separação das paredes laterais / traseiras (5) da maneira que há entre o chão e a parede lateral Mas lemos a borda da grande pintura como se estivesse no canto de qualquer maneira.

Pode-se até dizer que cada elemento da pintura experimenta a perspectiva, mas é apresentado como se o artista a visse apenas. A cadeira está em perspectiva de dois pontos, a mesa em um, a janela também recua até um ponto de fuga. Eles são justapostos, quase uma colagem de diferentes pontos de vista.

Uma pintura enganosamente simples

Eu acredito que esta é uma pintura com composição aparentemente simples. Pode parecer que Matisse colocou coisas na tela em qualquer lugar antigo, ou que ele pintou a mesa primeiro e depois teve que preencher o resto do espaço com alguma coisa. Mas observe como a disposição dos elementos conduz seus olhos pela pintura.

Na foto, marquei o que, para mim, são as linhas direcionais mais fortes, empurrando seu olho de baixo para cima e para trás das bordas, girando e girando para absorver tudo. Claro que é possível ver isso de outras maneiras, como em cima à direita e depois à esquerda. (Embora a maneira como você lê uma pintura seja influenciada pela direção em que você lê o texto.)

Considere como ele pintou os vários elementos, que são reduzidos a contornos e aos quais é dado destaque. Observe que não há sombras, mas há um destaque refletido no vidro. Aperte os olhos para ver a pintura para ver as áreas de luz tom mais claramente, e como criar uma unidade na composição.

Você não pode ver na foto, mas os contornos não são pintados em cima do vermelho, mas as cores abaixo do vermelho aparecendo. (Se você estiver trabalhando em aquarela, você precisará mascarar essas áreas, e com acrílicos provavelmente pintar por cima devido à rapidez com que secam, mas com óleos você poderia coçar, arranhão até a cor inferior se essa camada estiver seca.)

"Matisse não apenas inundou seu espaço pictórico com um lago plano e monocromático em plena saturação, inundando o ângulo oblíquo do estúdio; além disso, ele tratou tudo tridimensional como nada mais do que contornos inscritos. Enquanto isso, os únicos objetos permitidos em cores ou modelagens parecem conceitualmente planos em virtude de serem em si mesmas planas, que é a placa circular em primeiro plano e as pinturas penduradas na parede ou empilhadas contra isto."
- Daniel Wheeler, Arte desde meados do século, p16.

Uma pintura autobiográfica

Os elementos em Estúdio Vermelho convidar você para o mundo de Matisse. Para mim, a parte "vazia" no primeiro plano se lê como espaço no chão, onde eu pisaria para estar entre as coisas no estúdio. Os elementos formam uma espécie de ninho no qual ocorre o processo criativo.

As pinturas descritas são todas dele, assim como as esculturas (1 e 2). Observe a caixa de lápis ou carvão (3) sobre a mesa e seu cavalete (4). Mas por que o relógio não tem ponteiros (5)?

Matisse está descrevendo o processo criativo? A mesa atua como um recipiente para as idéias de comida e bebida, natureza e materiais do artista; a essência da vida de um artista. Há representação de diferentes assuntos: retratos, natureza morta, paisagem. Uma janela para iluminação. A passagem do tempo é denotada pelo relógio e pelas pinturas emolduradas / não emolduradas (inacabadas?). É feita uma comparação com a tridimensionalidade do mundo com esculturas e um vaso. Finalmente, há a contemplação, uma cadeira posicionada para ver a arte.

Estúdio Vermelho não era inicialmente vermelho. Em vez disso "era originalmente um interior cinza-azulado, correspondendo mais de perto ao branco do estúdio de Matisse como realmente era. Este cinza-azulado bastante poderoso ainda pode ser visto a olho nu na parte superior do relógio e sob a tinta mais fina no lado esquerdo. O que forçou Matisse a transformar seu estúdio com este vermelho deslumbrante foi debatido: até foi sugerido que foi estimulado da maneira mais perceptiva das formas pela imagem residual dos verdes do jardim em um dia quente."
- John Gage, Cor e Cultura p212.

Nela biografia (página 81) Hilary Spurling diz: "Os visitantes do Issy [Estúdio de Matisse] perceberam imediatamente que ninguém tinha visto ou imaginado nada parecido antes... [A pintura do Red Studio] parecia um segmento de parede destacado com objetos rudimentares flutuando ou suspensos sobre ele... A partir de agora (1911) ele pintou realidades que existiam apenas em sua mente."

Nem Está Bem Pintado...

• "Parece que ele não conseguia decidir onde colocar as coisas."
• "É apenas uma mistura de bits, sem levar em conta o design composicional."
• "Ele poderia ter retratado seus sentimentos sobre esta sala com suas peças de uma forma muito mais agradável e talvez não tivesse que explicar isso."
• "As peças nem são bem pintadas."

Comentários como esses (feitos no Fórum de Pintura) levantam a questão: "O que você define como 'bem pintado'?" Você precisa de detalhes realistas e finos? Você quer dizer pictoricamente onde você pode ver claramente o que é, mas também há uma sensação das pinceladas / pinceladas usadas para criar a imagem? Pode transmitir a sensação de uma coisa sem detalhes finos? Algum grau de abstração é aceitável?

Em última análise, tudo se resume à preferência pessoal, e temos a sorte de viver em uma era em que existem tantos estilos. No entanto, apenas pintar objetos para que pareçam representações realistas de si mesmos limita muito o potencial da pintura, na minha opinião. O realismo é apenas um estilo de pintura. Parece "certo" para muitas pessoas por causa da influência da fotografia, ou seja, a imagem se parece exatamente com a coisa que representa. Mas isso limita o potencial do meio (e da fotografia, nesse caso).

Saber do que você gosta e do que não gosta faz parte do desenvolvimento do seu próprio estilo. Mas rejeitar o trabalho de um artista sem descobrir por que você não gosta dele ou saber por que é considerado um Grande Negócio é fechar uma avenida potencial de descoberta. Parte de ser um pintor é estar aberto a possibilidades, experimentar simplesmente para ver onde isso pode levá-lo. Coisas inesperadas podem vir de fontes inesperadas. Vez após vez recebo e-mails de pessoas que lidaram com vários Projetos de pintura dizendo que nunca haviam feito nada parecido antes e que ficaram agradavelmente surpresos com os resultados. Por exemplo: The Worrier and Pinpointing the Problem!.

Acho que nunca vou gostar das pinturas de Matisse

Gostar do trabalho de um artista não é o mesmo que entender sua importância na linha do tempo da arte. Estamos tão acostumados com a perspectiva "errada" hoje que não pensamos muito nisso (independentemente de gostarmos ou não). Mas, em algum momento, um artista foi o primeiro a fazer isso.

Parte da apreciação de The Red Studio vem do contexto em que Matisse estava trabalhando e do conceito, não apenas da pintura propriamente dita. Um exemplo comparável seriam as pinturas de campos de cores de Rothko; é difícil imaginar uma época em que cobrir uma tela apenas com cores fosse algo sem precedentes.

Quem é escrito nos livros como um mestre é uma questão de moda e, até certo ponto, de sorte, estar no lugares certos ou galerias na hora certa, tendo acadêmicos e curadores pesquisando e escrevendo sobre o seu trabalhos. Matisse passou por um período em que foi rejeitado como meramente decorativo (e pior), mas foi reavaliado e recebeu um papel mais proeminente. Agora ele é bem visto por sua simplicidade, seu uso de cores, seu design.