Ser um artista famoso em sua vida não é garantia de que outros artistas se lembrarão de você. Você já ouviu falar do pintor francês Ernest Meissonier?
Ele foi contemporâneo de Edouard Manet e de longe o artista de maior sucesso em aclamação da crítica e vendas. O inverso também é verdadeiro, com Vincent van Gogh. Van Gogh confiou em seu irmão, Theo, para fornecer-lhe tintas e telas, mas hoje suas pinturas alcançam preços recordes sempre que aparecem em um leilão de arte, e ele é um nome conhecido.
Olhar para pinturas famosas do passado e do presente pode lhe ensinar muitas coisas, incluindo composição e manuseio da tinta. Embora provavelmente a lição mais importante seja que você deve pintar para você mesmo, não para um mercado ou posteridade.
"Night Watch" - Rembrandt
A "Ronda Noturna", pintura de Rembrandt está no Rijksmuseum em Amsterdã. Como mostra a foto, é uma pintura enorme: 363x437cm (143x172 ").
Rembrandt terminou em 1642. Seu verdadeiro título é "A Companhia de Frans Banning Cocq e Willem van Ruytenburch", mas é mais conhecido apenas como Vigília noturna. (Uma empresa sendo guarda da milícia).A composição da pintura era muito diferente para o período. Em vez de mostrar as figuras de maneira organizada e ordenada, onde todos recebiam o mesmo destaque e espaço na tela, Rembrandt as pintou como um grupo ocupado em ação.
Por volta de 1715, um escudo foi pintado na "Ronda Noturna" contendo os nomes de 18 pessoas, mas apenas alguns dos nomes foram identificados. (Portanto, lembre-se de pintar um retrato de grupo: desenhe um diagrama na parte de trás para ir com os nomes de todos os futuros gerações saberão!) Em março de 2009, o historiador holandês Bas Dudok van Heel finalmente desvendou o mistério de quem é quem no pintura. Sua pesquisa encontrou até itens de roupas e acessórios retratados na "Ronda Noturna" mencionada em inventários de propriedades da família, que ele então comparou com a idade de vários milicianos em 1642, o ano em que o quadro foi concluído.
Dudok van Heel também descobriu que no corredor onde a "Ronda noturna" de Rembrandt foi pendurada pela primeira vez, havia seis grupos retratos de uma milícia originalmente exibidos em uma série contínua, não em seis pinturas separadas como há muito tempo pensei. Em vez disso, os seis retratos de grupo de Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart e Flinck formaram um friso ininterrupto, cada um correspondendo ao outro e fixado no painel de madeira da sala. Ou, essa era a intenção. A "Ronda noturna" de Rembrandt não se encaixa com as outras pinturas, seja na composição, seja na cor. Parece que Rembrandt não cumpriu os termos de sua comissão. Mas então, se ele tivesse, nunca teríamos este retrato de grupo do século 17 surpreendentemente diferente.
"Lebre" - Albrecht Dürer
Comumente conhecido como coelho de Dürer, o título oficial desta pintura o chama de lebre. A pintura está na coleção permanente do Coleção Batliner do Museu Albertina em Viena, Áustria.
Foi pintado com aquarela e guache, com os destaques brancos feitos em guache (em vez de ser o branco sem pintura do papel).
É um exemplo espetacular de como a pele pode ser pintada. Para emular isso, a abordagem que você tomará depende de quanta paciência você tem. Se você tiver abundância, pintará com um pincel fino, um fio de cabelo de cada vez. Caso contrário, use uma técnica de escova seca ou divida os cabelos em uma escova. Paciência e resistência são essenciais. Trabalhe muito rapidamente na tinta úmida e as pinceladas individuais podem se misturar. Não continue por muito tempo e o pelo parecerá surrado.
Afresco do teto da Capela Sistina - Michelangelo
A pintura de Michelangelo do teto da Capela Sistina é um dos afrescos mais famosos do mundo.
A Capela Sistina é uma grande capela do Palácio Apostólico, residência oficial do Papa (o líder da Igreja Católica) na Cidade do Vaticano. Possui muitos afrescos pintados por alguns dos maiores nomes da Renascença, incluindo afrescos de parede de Bernini e Rafael, mas é mais famosa pelos afrescos de Michelangelo no teto.
Michelangelo nasceu em 6 de março de 1475 e morreu em 18 de fevereiro de 1564. Encomendado pelo Papa Júlio II, Michelangelo trabalhou emo teto da Capela Sistina de maio de 1508 a outubro de 1512 (nenhum trabalho foi feito entre setembro de 1510 e agosto de 1511). A capela foi inaugurada em 1º de novembro de 1512, na Festa de Todos os Santos.
A capela tem 40,23 metros de comprimento, 13,40 metros de largura e o teto 20,70 metros acima do solo em seu ponto mais alto.1. Michelangelo pintou uma série de cenas bíblicas, profetas e ancestrais de Cristo, bem como trompe l'oeil ou características arquitetônicas. A área principal do teto retrata histórias do livro de Gênesis, incluindo a criação da humanidade, a queda do homem em desgraça, o dilúvio e Noé.
Teto da Capela Sistina: Um Detalhe
O painel que mostra a criação do homem é provavelmente a cena mais conhecida do famoso afresco de Michelangelo no teto da Capela Sistina.
A Capela Sistina no Vaticano tem muitos afrescos pintados, mas é mais famosa pelos afrescos de Michelangelo no teto. A restauração extensiva foi feita entre 1980 e 1994 por especialistas em arte do Vaticano, removendo séculos de fumaça de velas e trabalhos de restauração anteriores. Isso revelou cores muito mais brilhantes do que se pensava anteriormente.
Os pigmentos usados por Michelangelo incluíam ocre para vermelhos e amarelos, silicatos de ferro para verdes, lápis-lazúli para azuis e carvão para pretos.1 Nem tudo é pintado com tantos detalhes quanto parece à primeira vista. Por exemplo, as figuras no primeiro plano são pintadas com mais detalhes do que as do fundo, aumentando a sensação de profundidade no teto.
Mais sobre a Capela Sistina:
• Museus do Vaticano: Capela Sistina
• Tour Virtual da Capela Sistina
Origens:
1 Museus do Vaticano: A Capela Sistina, site do Estado da Cidade do Vaticano, acessado em 9 de setembro de 2010.
Notebook Leonardo da Vinci
O artista renascentista Leonardo da Vinci é famoso não apenas por suas pinturas, mas também por seus cadernos. Esta foto mostra um no Museu V&A de Londres.
O V&A Museum de Londres possui cinco cadernos de Leonardo da Vinci em sua coleção. Este, conhecido como Codex Forster III, foi usado por Leonardo da Vinci entre 1490 e 1493 quando trabalhava em Milão para o duque Ludovico Sforza.
É um pequeno bloco de notas, do tipo de tamanho que você poderia facilmente manter no bolso do casaco. É repleto de todos os tipos de ideias, notas e esboços, incluindo "esboços de pernas de cavalo, desenhos de chapéus e roupas que podem ter sido idéias para fantasias em bailes, e um relato da anatomia do ser humano cabeça."1 Embora não seja possível virar as páginas do bloco de notas no museu, você pode folheá-lo online.
Ler sua caligrafia não é fácil, entre o estilo caligráfico e o uso da escrita espelhada (para trás, da direita para a esquerda), mas alguns acham fascinante ver como ele coloca todos os tipos em um caderno. É um caderno de trabalho, não um exemplo. Se você já se preocupou que seu diário de criatividade não foi feito ou organizado de alguma forma corretamente, siga a orientação deste mestre: faça como você precisa.
Fonte:
1. Explore os Códices Forster, Museu V&A. (Acessado em 8 de agosto de 2010.)
"A Mona Lisa" - Leonardo da Vinci
Leonardo da VinciA pintura "Mona Lisa", no Louvre em Paris, é indiscutivelmente a pintura mais famosa do mundo. É provavelmente também o exemplo mais conhecido de Sfumato, técnica de pintura parcialmente responsável por seu sorriso enigmático.
Tem havido muita especulação sobre quem era a mulher na pintura. Acredita-se que seja um retrato de Lisa Gherardini, esposa de um comerciante de tecidos florentino chamado Francesco del Giocondo. (O escritor de arte do século 16, Vasari, foi um dos primeiros a sugerir isso, em suas "Vidas dos Artistas"). Também foi sugerido que o motivo de seu sorriso era que ela estava grávida.
Os historiadores da arte sabem Leonardo havia começado a "Mona Lisa" em 1503, como um registro dela foi feito naquele ano por um alto funcionário florentino, Agostino Vespucci. Quando ele terminou, é menos certo. O Louvre datou originalmente a pintura em 1503-06, mas as descobertas feitas em 2012 sugerem que pode ter sido uma década depois, antes de ser concluído, o fundo era baseado em um desenho de pedras que ele fez em 1510-15.1 O Louvre mudou as datas para 1503-19 em março de 2012.
Fonte:
1. Mona Lisa poderia ter sido concluída uma década mais tarde do que se pensava em The Art Newspaper, de Martin Bailey, 7 de março de 2012 (acessado em 10 de março de 2012)
Pintores famosos: Monet em Giverny
Fotos de referência para pintura: "Jardim em Giverny" de Monet.
Parte da razão pela qual o pintor impressionista Claude Monet é tão famoso são suas pinturas dos reflexos nos lagos de lírios que ele criou em seu grande jardim em Giverny. Inspirou por muitos anos, até o fim de sua vida. Ele esboçou idéias para pinturas inspiradas nos lagos e criou pinturas pequenas e grandes tanto como obras individuais quanto em séries.
Assinatura de Claude Monet
Este exemplo de como Monet assinou suas pinturas vem de uma de suas pinturas de nenúfar. Você pode ver que ele assinou com um nome e sobrenome (Claude Monet) e o ano (1904). Está no canto inferior direito, longe o suficiente para não ser cortado pela moldura.
O nome completo de Monet era Claude Oscar Monet.
"Impression Sunrise" - Monet
Esta pintura de Monet deu o nome ao estilo impressionista de arte. Ele o exibiu em 1874 em Paris, no que ficou conhecido como a Primeira Exposição Impressionista.
Em sua avaliação da exposição, que intitulou "Exposição de impressionistas", o crítico de arte Louis Leroy disse:
"O papel de parede em seu estado embrionário é mais acabado do que a paisagem marinha."
Fonte:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" de Louis Leroy, Le Charivari, 25 de abril de 1874, Paris. Traduzido por John Rewald em A História do Impressionismo, Moma, 1946, páginas 256-61; citado em Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, de Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.
Série "Haystacks" - Monet
Monet costumava pintar uma série do mesmo assunto para capturar os efeitos mutáveis da luz, trocando as telas à medida que o dia avançava.
Monet pintou muitos temas repetidamente, mas cada uma das pinturas de sua série é diferente, seja uma pintura de um lírio d'água ou de um palheiro. Como as pinturas de Monet estão espalhadas em coleções ao redor do mundo, geralmente é apenas em exposições especiais que as pinturas de sua série são vistas como um grupo. Felizmente, o Art Institute em Chicago tem várias pinturas de palheiro de Monet em sua coleção, pois elas são impressionantes vendo juntos:
- Pilha de trigo
- Degelo, pôr do sol
- Pôr do sol, efeito de neve
- Efeito de neve, dia nublado
- Fim do verão
Em outubro de 1890, Monet escreveu uma carta ao crítico de arte Gustave Geffroy sobre a série de palheiros que ele estava pintando, dizendo:
"Eu sou duro nisso, trabalhando teimosamente em uma série de efeitos diferentes, mas nesta época do ano o sol se põe tão rápido que é impossível acompanhá-lo... quanto mais avanço, mais vejo que muito trabalho tem de ser feito para tornar o que procuro: 'instantaneidade', o 'envelope' acima de tudo, a mesma luz espalhada por tudo... Estou cada vez mais obcecado pela necessidade de reproduzir o que experimento, e estou rezando para que ainda tenha mais alguns anos bons para mim, porque acho que posso fazer algum progresso nessa direção... " 1
Fonte:
1. Monet sozinho, p172, editado por Richard Kendall, MacDonald & Co, Londres, 1989.
"Nenúfares" - Claude Monet
Claude Monet, "Nenúfares", c. 19140-17, óleo sobre tela. Tamanho 65 3/8 x 56 polegadas (166,1 x 142,2 cm). Na coleção do Museus de Belas Artes de São Francisco.
Monet é talvez o mais famoso dos impressionistas, especialmente por suas pinturas dos reflexos no lago com lírios em seu jardim Giverny. Esta pintura em particular mostra um pequeno pedaço de nuvem no canto superior direito e os azuis manchados do céu refletidos na água.
Se você estudar as fotos do jardim de Monet, como esta do lago com lírios de Monet e esta das flores de lírio, e compará-las a esta pintura, você sinta como Monet reduziu os detalhes em sua arte, incluindo apenas a essência da cena ou a impressão do reflexo, da água e do lírio Flor. Clique no link "Ver em tamanho grande" abaixo da foto acima para obter uma versão maior na qual é mais fácil ter uma ideia das pinceladas de Monet.
O poeta francês Paul Claudel disse:
“Graças à água, [Monet] se tornou o pintor do que não podemos ver. Ele se dirige àquela superfície espiritual invisível que separa a luz do reflexo. Azul arejado cativo de azul-celeste líquido... A cor sobe do fundo da água em nuvens, em redemoinhos. "
Fonte:
Página 262 Arte de Nosso Século, de Jean-Louis Ferrier e Yann Le Pichon
Assinatura de Camille Pissarro
O pintor Camille Pissarro tende a ser menos conhecido do que muitos de seus contemporâneos (como Monet), mas tem um lugar único na linha do tempo da arte. Ele trabalhou como impressionista e neo-impressionista, além de influenciar artistas agora famosos, como Cézanne, Van Gogh e Gauguin. Ele foi o único artista a expor em todas as oito das Exposições impressionistas em Paris de 1874 a 1886.
Autorretrato de Van Gogh (1886/1887)
Esta retrato de Vincent van Gogh está na coleção do Art Institute of Chicago. Ele foi pintado usando um estilo semelhante ao Pontilhismo, mas não se restringe apenas a pontos.
Nos dois anos em que viveu em Paris, de 1886 a 1888, Van Gogh pintou 24 autorretratos. O Art Institute of Chicago descreveu este como empregando a "técnica de pontos" de Seurat não como um método científico, mas "uma intensa linguagem emocional "na qual" os pontos vermelhos e verdes são perturbadores e totalmente de acordo com a tensão nervosa evidente na doença de van Gogh olhar. "
Em uma carta alguns anos depois para sua irmã, Wilhelmina, Van Gogh escreveu:
"Eu pintei duas fotos minhas recentemente, uma das quais tem um caráter bastante verdadeiro, eu acho, embora na Holanda eles provavelmente zombem das idéias sobre pintura de retratos que estão germinando aqui... Sempre achei as fotos abomináveis e não gosto de tê-las por perto, principalmente de pessoas que conheço e amo... os retratos fotográficos murcham muito mais cedo do que nós mesmos, ao passo que o retrato pintado é uma coisa que se sente, se faz com amor ou respeito pelo ser humano retratado. "
Fonte:
Carta para Wilhelmina van Gogh, 19 de setembro de 1889
Assinatura de Vincent van Gogh
The Night Cafe por Van Gogh está agora na coleção da Galeria de Arte da Universidade de Yale. É sabido que Van Gogh assinou apenas as pinturas com as quais estava particularmente satisfeito, mas o que é incomum no caso desta pintura é que ele adicionou um título abaixo de sua assinatura, "Le café de Nuit".
Observe que Van Gogh assinou suas pinturas simplesmente "Vincent", não "Vincent van Gogh" nem "Van Gogh".
Em uma carta a seu irmão Theo, escrita em 24 de março de 1888, ele disse:
"No futuro, o meu nome deverá ser colocado no catálogo quando eu o assino na tela, ou seja, Vincent e não Van Gogh, pela simples razão de que eles não sabem pronunciar o último nome aqui."
"Aqui" sendo Arles, no sul da França.
Se você já se perguntou como pronuncia Van Gogh, lembre-se de que é um sobrenome holandês, não francês ou inglês. Portanto, o "Gogh" é pronunciado e rima com o "loch" escocês. Não é "goff" nem "go".
A noite estrelada - Vincent van Gogh
Esta pintura, que é possivelmente a pintura mais famosa de Vincent van Gogh, está na coleção da Museu de Arte Moderna Em Nova Iórque.
Van Gogh pintado A noite estrelada em junho de 1889, tendo mencionado a estrela da manhã em uma carta a seu irmão Theo escrita por volta de 2 de junho de 1889: "Esta manhã eu vi o país da minha janela muito antes do nascer do sol, com nada além da estrela da manhã, que parecia muito grande. "A estrela da manhã (na verdade, o planeta Vênus, não uma estrela) é geralmente considerado o grande e branco pintado à esquerda do centro da pintura.
Cartas anteriores de Van Gogh também mencionam as estrelas e o céu noturno e seu desejo de pintá-los:
1. "Quando é que terei a oportunidade de fazer o céu estrelado, aquela imagem que está sempre em minha mente?" (Carta para Emile Bernard, c.18 de junho de 1888)
2. “Quanto ao céu estrelado, espero muito pintá-lo, e talvez o faça um dia desses” (Carta a Theo van Gogh, c.26 de setembro de 1888).
3. "No momento, eu absolutamente quero pintar um céu estrelado. Muitas vezes me parece que a noite é ainda mais colorida do que o dia; tendo tons de violetas, azuis e verdes mais intensos. Se você apenas prestar atenção, verá que certas estrelas são amarelo-limão, outras rosa ou verde, azul e brilhante... é óbvio que colocar pontinhos brancos no preto azulado não é suficiente para pintar um céu estrelado. "(Carta para Wilhelmina van Gogh, 16 de setembro de 1888)
O Restaurant de la Sirene, em Asnieres - Vincent van Gogh
Esta pintura de Vincent van Gogh está na coleção do Museu Ashmolean em Oxford, Reino Unido. Van Gogh pintou-o logo depois de chegar a Paris em 1887 para morar com seu irmão Theo em Montmartre, onde Theo administrava uma galeria de arte.
Pela primeira vez, Vincent foi exposto às pinturas dos impressionistas (particularmente Monet) e conheceu artistas como Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard e Pissarro. Em comparação com seu trabalho anterior, que era dominado por tons de terra escuros típicos de pintores do norte da Europa, como Rembrandt, esta pintura mostra a influência desses artistas sobre ele.
As cores que ele usou ficaram mais claras e mais claras, e sua pincelada ficou mais solta e aparente. Observe esses detalhes da pintura e verá como ele usou pequenos traços de cor pura, separados. Ele não está misturando cores na tela, mas permitindo que isso aconteça no olho do observador. Ele está experimentando o cor quebrada abordagem dos impressionistas.
Em comparação com suas pinturas posteriores, as faixas coloridas são espaçadas, com um fundo neutro aparecendo entre elas. Ele ainda não está cobrindo toda a tela com cores saturadas, nem explorando as possibilidades de usar pincéis para criar textura na própria tinta.
O Restaurante de la Sirene, em Asnieres por Vincent van Gogh (Detalhe)
Esses detalhes da pintura de Van Gogh O Restaurante de la Sirene, em Asnières (na coleção do Museu Ashmoleano), mostram como ele fez experiências com suas pinceladas e marcas de pincel após a exposição às pinturas dos impressionistas e de outros contemporâneos parisienses artistas.
"Quatro Dançarinos" - Edgar Degas
Edgar Degas, Quatro Dançarinos, c. 1899. Óleo sobre tela. Tamanho 59 1/2 x 71 polegadas (151,1 x 180,2 cm). No Galeria Nacional de Arte, Washington.
"Retrato da Mãe do Artista" - Whistler
Esta é possivelmente a pintura mais famosa de Whistler. Seu título completo é "Arranjo em Cinza e Preto No. 1, Retrato da Mãe do Artista". Sua mãe concordou em posar para a pintura quando a modelo que Whistler usava adoeceu. Ele inicialmente pediu que ela ficasse em pé, mas como você pode ver, ele cedeu e a deixou sentar.
Na parede há uma gravura de Whistler, "Black Lion Wharf". Se você olhar com atenção para a cortina no canto superior esquerdo da moldura da água-forte, você verá uma mancha mais clara, que é o símbolo da borboleta que Whistler usou para assinar suas pinturas. O símbolo nem sempre foi o mesmo, mas mudou, e sua forma é usada para datar sua obra de arte. É sabido que ele começou a usá-lo em 1869.
"Hope II" - Gustav Klimt
"Quem quiser saber algo sobre mim - como artista, a única coisa notável - deve olhar atentamente para as minhas fotos e tentar ver nelas o que sou e o que quero fazer." Klimt.
Gustav Klimt pintado Hope II sobre tela em 1907/8 usando tintas a óleo, ouro e platina. Tem 43.5 x 43.5 "(110.5 x 110.5 cm) de tamanho. A pintura faz parte do acervo da Museu de Arte Moderna Em Nova Iórque.
Hope II é um lindo exemplo de O uso de folha de ouro por Klimt em pinturas e seu rico estilo ornamental. Veja a maneira como ele pintou a vestimenta usada pela figura principal, como é uma forma abstrata decorada com círculos, mas ainda a 'lemos' como uma capa ou vestido. Como, no fundo, ele se funde com as três outras faces.
Em sua biografia ilustrada de Klimt, o crítico de arte Frank Whitford disse:
Klimt "aplicou ouro verdadeiro e folha de prata para aumentar ainda mais a impressão de que a pintura é um objeto precioso, não remotamente um espelho no qual a natureza pode ser vislumbrada, mas um artefato cuidadosamente trabalhado. " 2
É um simbolismo que ainda hoje é considerado válido, visto que o ouro ainda é considerado uma mercadoria valiosa.
Klimt viveu em Viena, na Áustria e tirou sua inspiração mais do Oriente do que do Ocidente, de "fontes como Arte bizantina, trabalhos em metal micênicos, tapetes persas e miniaturas, os mosaicos das igrejas de Ravenna e japoneses telas. " 3
Fonte:
1. Artistas em contexto: Gustav Klimt por Frank Whitford (Collins & Brown, Londres, 1993), contracapa.
2. Ibid. p82.
3. Destaques do MoMA (Museu de Arte Moderna, Nova York, 2004), p. 54
Assinatura de Picasso
Esta é a assinatura de Picasso em sua pintura de 1903 (do período azul) intitulada "O bebedor de absinto".
Picasso experimentou várias versões abreviadas de seu nome como sua assinatura de pintura, incluindo iniciais circuladas, antes de definir "Pablo Picasso". Hoje geralmente o ouvimos ser referido simplesmente como "Picasso".
Seu nome completo era: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.
Fonte:
1. "A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism", de Natasha Staller. Yale University Press. Página p209.
"O bebedor de absinto" - Picasso
Esta pintura foi criada por Picasso em 1903, durante seu Período Azul (uma época em que tons de azul dominavam as pinturas de Picasso; quando ele estava na casa dos vinte). Apresenta o artista plástico Angel Fernandez de Soto, que gostava mais de festas e bebidas do que de sua pintura.1, e que dividiu um estúdio com Picasso em Barcelona em duas ocasiões.
A pintura foi colocada em leilão em junho de 2010 pela Fundação Andrew Lloyd Webber depois que um acordo extrajudicial foi alcançado nos EUA sobre a propriedade. após uma alegação de descendentes do banqueiro judeu-alemão Paul von Mendelssohn-Bartholdy de que a pintura havia sido coagida na década de 1930 durante o regime nazista em Alemanha.
Fonte:
1. Casa de leilões da Christie Comunicado de imprensa, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17 de março de 2010.
"A Tragédia" - Picasso
Pablo Picasso, The Tragedy, 1903. Óleo sobre madeira. Tamanho 41 7/16 x 27 3/16 polegadas (105,3 x 69 cm). No Galeria Nacional de Arte, Washington.
É do Período Azul, quando suas pinturas eram, como o nome sugere, todas dominadas pelo blues.
Esboço de Picasso para sua famosa pintura "Guernica"
Enquanto planejava e trabalhava em sua enorme pintura Guernica, Picasso fez muitos esboços e estudos. A foto mostra um dos seus composição esboços, que por si só não parecem muito, uma coleção de linhas rabiscadas.
Em vez de tentar decifrar o que as várias coisas podem ser e onde estão na pintura final, pense nisso como uma taquigrafia de Picasso. Simples fazer marca por imagens que ele tinha em sua mente. Concentre-se em como ele está usando isso para decidir onde colocar os elementos na pintura, na interação entre esses elementos.
"Guernica" - Picasso
Esta famosa pintura de Picasso é enorme: 11 pés e 6 polegadas de altura e 25 pés e 8 polegadas de largura (3,5 x 7,76 metros). Picasso o pintou sob encomenda para o Pavilhão Espanhol na Feira Mundial de 1937 em Paris. Está no Museo Reina Sofia em Madrid, Espanha.
"Retrato de Mr Minguell" - Picasso
Picasso pintou este retrato em 1901, quando tinha 20 anos. O assunto foi um alfaiate catalão, o Sr. Minguell, a quem acredita-se que Picasso foi apresentado por seu marchand e amigo Pedro Manach1. O estilo mostra a formação de Picasso na pintura tradicional e o quanto seu estilo de pintura se desenvolveu ao longo de sua carreira. O fato de ser pintado no papel é um sinal de que foi feito em uma época em que Picasso estava falido, ainda não ganhando dinheiro suficiente com sua arte para pintar na tela.
Picasso deu a pintura a Minguell como um presente, mas depois a comprou de volta e ainda a tinha quando morreu em 1973. A pintura foi colocada na tela e provavelmente também restaurada sob a orientação de Picasso "algum tempo antes de 1969"2, quando foi fotografado para um livro de Christian Zervos sobre Picasso.
Da próxima vez que você estiver em uma daquelas discussões de jantar sobre como todos os pintores não realistas apenas pintam resumo, cubista, fauvista, impressionista, escolha seu estilo porque eles não podem fazer "pinturas de verdade", pergunte à pessoa se ela colocou Picasso nesta categoria (a maioria o faz), depois mencione essa pintura.
Fonte:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Detalhes do lote Venda de arte impressionista e moderna 22 de junho de 2010. (Acessado em 3 de junho de 2010.)
"Dora Maar" ou "Tête De Femme" - Picasso
Quando vendida em um leilão em junho de 2008, esta pintura de Picasso foi vendida por £ 7.881.250 (US $ 15.509.512). A estimativa do leilão era de três a cinco milhões de libras.
Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Esta enorme pintura (quase oito metros quadrados) de Picasso é considerada uma das peças mais importantes de arte moderna já criada, se não a mais importante, uma pintura crucial no desenvolvimento da arte moderna. A pintura retrata cinco mulheres - prostitutas em um bordel - mas há muito debate sobre o que tudo isso significa e todas as referências e influências nele.
Crítico de arte Jonathan Jones1 diz:
"O que impressionou Picasso sobre as máscaras africanas [evidente nos rostos das figuras à direita] foi o coisa mais óbvia: que eles disfarçam você, transformam você em outra coisa - um animal, um demônio, um Deus. O modernismo é uma arte que usa uma máscara. Não diz o que significa; não é uma janela, mas uma parede. Picasso escolheu seu tema precisamente porque era um clichê: ele queria mostrar que a originalidade na arte não está na narrativa, ou na moralidade, mas na invenção formal. É por isso que é errado ver Les Demoiselles d'Avignon como uma pintura 'sobre' bordéis, prostitutas ou colonialismo. "
Fonte:
1. Punks de pablo por Jonathan Jones, O guardião, 9 de janeiro de 2007.
"Mulher com uma guitarra" - Georges Braque
Georges Braque, Mulher com violão, 1913. Óleo e carvão sobre tela. 51 1/4 x 28 3/4 polegadas (130 x 73 cm). No Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.
The Red Studio - Henri Matisse
Esta pintura está na coleção do Museu de Arte Moderna (Moma) Em Nova Iórque. Mostra o interior do estúdio de pintura de Matisse, com perspectiva achatada ou um único plano de pintura. As paredes de seu estúdio não eram realmente vermelhas, eram brancas; ele usou vermelho em sua pintura para efeito.
Em exibição em seu estúdio estão várias de suas obras de arte e peças de mobília de estúdio. Os contornos dos móveis de seu ateliê são linhas na pintura revelando cor de uma camada inferior, amarela e azul, não pintada sobre o vermelho.
1. "As linhas angulares sugerem profundidade e a luz azul-esverdeada da janela intensifica a sensação de espaço interior, mas a extensão do vermelho nivela a imagem. Matisse intensifica esse efeito, por exemplo, omitindo a linha vertical do canto da sala. "
- Destaques do MoMA, publicado pela Moma, 2004, página 77.
2. "Todos os elementos... afundar suas identidades individuais no que se tornou uma meditação prolongada sobre arte e vida, espaço, tempo, percepção e a própria natureza da realidade... uma encruzilhada para a pintura ocidental, onde a arte clássica voltada para o exterior, predominantemente representacional do passado, encontrou o ethos provisório, internalizado e autorreferencial do futuro... "
- Hilary Spurling,, página 81.
A Dança - Henri Matisse
A foto superior mostra a pintura acabada de Matisse intitulada A danca, concluído em 1910 e agora no Museu Estatal Hermitage em São Petersburgo, Rússia. A foto inferior mostra o estudo de composição em tamanho real que ele fez para a pintura, agora em MOMA em Nova York, EUA. Matisse o pintou por encomenda do colecionador de arte russo Sergei Shchukin.
É uma pintura enorme, com quase quatro metros de largura e dois metros e meio de altura (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), pintada com uma paleta limitada a três cores: vermelho, verde e azul. Acho que é uma pintura que mostra por que Matisse tem tanta reputação como colorista, principalmente quando você compara o estudo à pintura final com suas figuras brilhantes.
Em sua biografia de Matisse (na página 30), Hilary Spurling diz:
"Aqueles que viram a primeira versão do Dança descreveu-o como pálido, delicado, até mesmo onírico, pintado em cores que eram realçadas... na segunda versão, em um friso feroz e plano de figuras vermelhas vibrando contra faixas de verde brilhante e céu. Os contemporâneos viam a pintura como pagã e dionisíaca. "
Observe a perspectiva achatada, como as figuras são do mesmo tamanho, em vez de aquelas mais distantes de serem menores, como ocorreria em perspectiva ou encurtamento para pinturas representacionais. Como a linha entre o azul e o verde atrás das figuras é curva, ecoando o círculo de figuras.
“A superfície ficou colorida até a saturação, a ponto de o azul, a ideia do azul absoluto, estar definitivamente presente. Um verde brilhante para a terra e um vermelhão vibrante para os corpos. Com essas três cores tive minha harmonia de luz e também pureza de tom. "- Matisse
Fonte:
"Introdução à exposição da Rússia para professores e alunos" por Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londres, 2008.
Pintores famosos: Willem de Kooning
O pintor Willem de Kooning nasceu em Rotterdam, na Holanda, em 24 de agosto de 1904, e morreu em Long Island, Nova York, em 19 de março de 1997. De Kooning foi aprendiz de arte comercial e empresa de decoração quando tinha 12 anos e frequentou aulas noturnas na Academia de Belas Artes e Técnicas de Rotterdam por oito anos. Emigrou para os EUA em 1926 e começou a pintar a tempo inteiro em 1936.
O estilo de pintura de De Kooning era o expressionismo abstrato. Teve sua primeira exposição individual na Charles Egan Gallery de Nova York em 1948, com uma obra em esmalte preto e branco. (Ele começou a usar tinta esmalte porque não tinha dinheiro para os pigmentos do artista.) Na década de 1950, ele foi reconhecido como um dos líderes do expressionismo abstrato, embora alguns puristas do estilo pensassem em suas pinturas (como seu Mulher série) incluídos incluem muito da forma humana.
Suas pinturas contêm muitas camadas, elementos sobrepostos e ocultos enquanto ele retrabalhava e retrabalhava uma pintura. As alterações podem ser exibidas. Ele desenhou em suas telas em carvão extensivamente, para a composição inicial e durante a pintura. Sua pincelada é gestual, expressiva, selvagem, com um sentido de energia por trás das pinceladas. As pinturas finais parecem feitas, mas não foram.
A produção artística de De Kooning durou quase sete décadas e incluiu pinturas, esculturas, desenhos e gravuras. Sua fonte final de pinturas no final dos anos 1980. Suas pinturas mais famosas são Pink Angels (c. 1945), Escavação (1950), e seu terceiro Mulher série (1950-53) feita em um estilo mais pictórico e abordagem de improvisação. Na década de 1940, ele trabalhou simultaneamente em estilos abstratos e representacionais. Sua descoberta veio com suas composições abstratas em preto e branco de 1948 a 1949. Em meados da década de 1950, ele pintou as abstrações urbanas, retornando à figuração na década de 1960, depois às grandes abstrações gestuais na década de 1970. Na década de 1980, De Kooning mudou para trabalhar em superfícies lisas, envidraçando com cores brilhantes e transparentes sobre fragmentos de desenhos gestuais.
Gótico americano - Grant Wood
gótico americano é provavelmente a mais famosa de todas as pinturas que o artista americano Grant Wood já criou. Agora está no Art Institute of Chicago.
Grant Wood pintou "American Gothic" em 1930. Retrata um homem e sua filha (não sua esposa1) em frente à sua casa. Grant viu o edifício que inspirou a pintura em Eldon, Iowa. O estilo arquitetônico é gótico americano, que é de onde a pintura recebe o título. Os modelos da pintura eram a irmã de Wood e seu dentista.2. A pintura é assinada perto da borda inferior, no macacão do homem, com o nome do artista e o ano (Grant Wood 1930).
O que significa a pintura? Wood pretendia que fosse uma representação digna do caráter dos americanos do meio-oeste, mostrando sua ética puritana. Mas pode ser visto como um comentário (sátira) sobre a intolerância das populações rurais aos forasteiros. O simbolismo na pintura inclui trabalho duro (o forcado) e domesticidade (vasos de flores e avental com estampa colonial). Se você olhar de perto, verá os três dentes do forcado ecoando na costura do macacão do homem, continuando nas listras de sua camisa.
Fonte:
gótico americano, Art Institute of Chicago, recuperado em 23 de março de 2011.
"Cristo de São João da Cruz" - Salvador Dali
Esta pintura de Salvador Dalí está na coleção de Galeria de arte e museu de Kelvingrove em Glasgow, Escócia. Ele foi exibido pela primeira vez na galeria em 23 de junho de 1952. A pintura foi comprada por £ 8.200, o que foi considerado um preço alto, embora incluísse os direitos autorais, o que permitiu que a galeria ganhasse taxas de reprodução (e vendesse inúmeros cartões-postais!).
Era incomum para Dali vender os direitos autorais de uma pintura, mas ele precisava do dinheiro. (Os direitos autorais permanecem com o artista, a menos que seja assinado, consulte Perguntas frequentes sobre direitos autorais do artista.)
"Aparentemente em dificuldades financeiras, Dali inicialmente pediu £ 12.000, mas depois de algumas negociações difíceis... ele o vendeu por quase um terço a menos e assinou uma carta para a cidade [de Glasgow] em 1952 cedendo os direitos autorais.
O título da pintura é uma referência ao desenho que inspirou Dali. O desenho a bico de pena foi feito após uma visão que São João da Cruz (um frade carmelita espanhol, 1542-1591) teve, na qual viu a crucificação de Cristo como se a estivesse olhando de cima. A composição chama a atenção pelo seu ponto de vista inusitado da crucificação de Cristo, a iluminação é dramática jogando forte sombras, e grande uso feito de encurtamento na figura. A paisagem na parte inferior da pintura é o porto da cidade natal de Dali, Port Lligat, na Espanha.
A pintura foi controversa de várias maneiras: o valor que foi pago por ela; o assunto; o estilo (que parecia retro em vez de moderno). Leia mais sobre a pintura no site da galeria.
Fonte:
"Caso surreal das imagens de Dali e uma batalha pela licença artística"por Severin Carrell, O guardião, 27 de janeiro de 2009
Latas de sopa Campbell - Andy Warhol
Detalhe de Andy Warhol Latas de sopa Campbell. Acrílica sobre tela. 32 pinturas cada 20x16 "(50,8x40,6 cm). Na coleção do Museu de Arte Moderna (MoMA) Em Nova Iórque.
Warhol exibiu pela primeira vez sua série de pinturas de latas de sopa Campbell em 1962, com a parte inferior de cada pintura repousando em uma prateleira como uma lata faria em um supermercado. São 32 pinturas da série, o número de variedades de sopa vendidas na época pela Campbell's.
Se você tivesse imaginado Warhol estocando sua despensa com latas de sopa e depois comendo uma lata enquanto acabava de pintar, bem, parece que não. De acordo com o site da Moma, Warhol usou uma lista de produtos da Campbell's para atribuir um sabor diferente a cada pintura.
Quando questionado sobre isso, Warhol disse:
"Eu costumava beber. Eu costumava almoçar o mesmo todos os dias, por vinte anos, eu acho, a mesma coisa uma e outra vez. "1
Aparentemente, Warhol também não tinha uma ordem na qual queria que as pinturas fossem exibidas. Moma exibe as pinturas "em linhas que refletem a ordem cronológica em que [as sopas] foram introduzidas, começando com 'Tomate' no canto superior esquerdo, que estreou em 1897."
Portanto, se você pintar uma série e quiser exibi-la em uma ordem específica, anote isso em algum lugar. A borda posterior das telas é provavelmente a melhor, pois ela não se separará da pintura (embora possa ficar escondida se as pinturas forem emolduradas).
Warhol é um artista frequentemente mencionado por pintores que desejam fazer obras derivadas. Duas coisas devem ser observadas antes de fazer coisas semelhantes:
- Em Site da Moma, há uma indicação de uma licença da Campbell's Soup Co (ou seja, um contrato de licença entre a empresa de sopas e a propriedade do artista).
- A aplicação de direitos autorais parece ter sido menos problemática na época de Warhol. Não faça suposições de direitos autorais com base no trabalho de Warhol. Faça sua pesquisa e decida qual é o seu nível de preocupação sobre um possível caso de violação de direitos autorais.
Campbell não contratou Warhol para fazer as pinturas (embora eles posteriormente tenham encomendado uma para um presidente do conselho que se aposentou em 1964) e teve preocupações quando a marca apareceu nas pinturas de Warhol em 1962, adotando uma abordagem de esperar para ver para julgar qual foi a resposta ao pinturas. Em 2004, 2006 e 2012, a Campbell's vendeu latas com rótulos especiais comemorativos de Warhol.
Fonte:
1. Como citado em Moma, acessado em 31 de agosto de 2012.
Árvores maiores perto de Warter - David Hockney
Principal: O artista David Hockney está ao lado de parte de sua pintura a óleo "Bigger Trees Near Warter", que doou à Tate Britain em abril de 2008.
Inferior: A pintura foi exibida pela primeira vez na Exposição de Verão de 2007 na Royal Academy de Londres, ocupando toda a parede.
A pintura a óleo de David Hockney "Bigger Trees Near Warter" (também chamada de Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) retrata uma cena perto de Bridlington, em Yorkshire. A pintura feita com 50 telas dispostas lado a lado. Somados, o tamanho geral da pintura é de 4,6 x 12 metros (40 x 15 pés).
Na época em que Hockney o pintou, era a maior peça que ele já havia concluído, embora não a primeira que ele criou usando várias telas.
" Fiz isso porque percebi que poderia fazer isso sem uma escada. Quando você está pintando, você precisa dar um passo para trás. Bem, há artistas que foram mortos ao recuar de escadas, não há?"
- Hockney citado em um Reuter reportagem, 7 de abril de 2008.
Hockney usou desenhos e um computador para ajudar na composição e pintura. Depois que uma seção foi concluída, uma foto foi tirada para que ele pudesse ver toda a pintura no computador.
"Primeiro, Hockney esboçou uma grade mostrando como a cena se encaixaria em 50 painéis. Em seguida, ele começou a trabalhar em painéis individuais in situ. Enquanto ele trabalhava neles, eles foram fotografados e transformados em um mosaico de computador para que ele pudesse mapear seu progresso, já que ele poderia ter apenas seis painéis na parede ao mesmo tempo. "
Fonte:
Charlotte Higgins, Guardião correspondente de artes, Hockney doa um grande trabalho para a Tate, 7 de abril de 2008.
Pinturas de guerra de Henry Moore
O Exposição Henry Moore na Tate Britain Gallery em Londres funcionou de 24 de fevereiro a 8 de agosto de 2010.
O artista britânico Henry Moore é mais famoso por suas esculturas, mas também conhecido por sua tinta, cera e pinturas em aquarela de pessoas abrigadas nas estações do metrô de Londres durante a Segunda Guerra Mundial. Moore era um Artista Oficial de Guerra, e em 2010 Exposição Henry Moore na Tate Britain Gallery tem uma sala dedicada a eles. Feitas entre o outono de 1940 e o verão de 1941, suas representações de figuras adormecidas amontoadas no trem os túneis capturaram uma sensação de angústia que transformou sua reputação e influenciou a percepção popular do Blitz. Seu trabalho da década de 1950 refletiu o rescaldo da guerra e a perspectiva de mais conflito.
Moore nasceu em Yorkshire e estudou na Leeds School of Art em 1919, após servir na Primeira Guerra Mundial. Em 1921, ele ganhou uma bolsa de estudos para o Royal College de Londres. Mais tarde, ele lecionou no Royal College, bem como na Chelsea School of Art. A partir de 1940 Moore viveu em Perry Green em Hertfordshire, agora lar do Fundação Henry Moore. Na Bienal de Veneza de 1948, Moore ganhou o Prêmio Internacional de Escultura.
"Frank" - Chuck Close
"Frank" de Chuck Close, 1969. Acrílica sobre tela. Dimensões 108 x 84 x 3 polegadas (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). No Instituto de Arte de Minneapolis.
Autorretrato e foto-retrato de Lucian Freud
O artista Lucian freud é conhecido por seu olhar intenso e implacável, mas, como mostra este autorretrato, ele se volta para si mesmo, não apenas para seus modelos.
1. "Acho que um grande retrato tem a ver com... o sentimento e a individualidade e a intensidade do olhar e o foco no específico. " 1
2. "... você tem que tentar se pintar como outra pessoa. Com os autorretratos, a 'semelhança' torna-se uma coisa diferente. Tenho que fazer o que sinto sem ser expressionista. " 2
Fonte:
1. Lucian Freud, citado em Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citado em Lucian Freud por William Feaver (Tate Publishing, Londres 2002), p43.
"The Father Of Mona Lisa" - Man Ray
"The Father Of Mona Lisa", de Man Ray, 1967. Reprodução do desenho montado em placa de fibra, com adição de charuto. Tamanho 18 x 13 5/8 x 2 5/8 polegadas (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Na coleção do Museu Hirshorn.
Muitas pessoas associam Man Ray apenas com fotografia, mas ele também era um artista e pintor. Ele era amigo do artista Marcel Duchamp e trabalhou em colaboração com ele.
Em maio de 1999, Art News A revista incluiu Man Ray em sua lista dos 25 artistas mais influentes do século 20, por sua fotografia e "explorações de filme, pintura, escultura, colagem, montagem. Esses protótipos acabariam sendo chamados de arte performática e arte conceitual. "
Art News disse:
"Man Ray ofereceu aos artistas de todas as mídias um exemplo de inteligência criativa que, em sua 'busca do prazer e da liberdade' [Man Ray declarou ter orientado princípios] destrancou todas as portas que encontrou e caminhou livremente por onde quisesse. "(Fonte das citações: Art News, maio de 1999," Willful Provocateur "por AD Coleman.)
Esta peça, "O Pai da Mona Lisa", mostra como uma ideia relativamente simples pode ser eficaz. A parte difícil é ter a ideia em primeiro lugar; às vezes, eles vêm como um lampejo de inspiração; às vezes como parte de um brainstorming de idéias; às vezes, desenvolvendo e perseguindo um conceito ou pensamento.
Pintores famosos: Yves Klein
Retrospectivo: Exposição Yves Klein no Museu Hirshhorn em Washington, EUA, de 20 de maio de 2010 a 12 de setembro de 2010.
O artista Yves Klein é provavelmente mais famoso por suas obras monocromáticas com seu azul especial (veja "Pincel Vivo", por exemplo). IKB ou International Klein Blue é um azul ultramar que ele formulou.
Chamando a si mesmo de "o pintor do espaço", Klein "buscou alcançar a espiritualidade imaterial por meio da cor pura" e se preocupou com as "noções contemporâneas da natureza conceitual da arte"1.
Klein teve uma carreira relativamente curta, menos de dez anos. Seu primeiro trabalho público foi um livro de artista Yves Peintures ("Yves Paintings"), publicado em 1954. Sua primeira exposição pública foi em 1955. Ele morreu de ataque cardíaco em 1962, aos 34 anos. (Linha do tempo da vida de Klein de Arquivos Yves Klein.)
Fonte:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Museu Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, acessado em 13 de maio de 2010.
"Living Paintbrush" - Yves Klein
Esta pintura do artista francês Yves Klein (1928-1962) é uma das séries em que ele usou "pincéis vivos". Ele cobriu modelos de mulheres nuas com sua pintura azul característica Klein Blue, IKB) e, em seguida, em uma peça de arte performática na frente de um público "pintado" com eles em grandes folhas de papel, dirigindo-os verbalmente.
O título "ANT154" é derivado de um comentário feito por um crítico de arte, Pierre Restany, descrevendo o pinturas produzidas como "antropometrias do período azul". Klein usou a sigla ANT como uma série título.
Black Painting - Ad Reinhardt
"Há algo errado, irresponsável e insensato sobre a cor; algo impossível de controlar. Controle e racionalidade fazem parte da minha moralidade. " - Ad Reinhard em 1960 1
Esta pintura monocromática do artista americano Ad Reinhardt (1913-1967) está no Museu de Arte Moderna (Moma) em Nova York. Tem 60 x 60 "(152,4 x 152,4 cm), óleo sobre tela e foi pintado em 1960-61. Durante a última década e um pouco de sua vida (ele morreu em 1967), Reinhardt usou apenas preto em suas pinturas.
Amy Sia, que tirou a foto, diz que o porteiro está apontando como a pintura está dividida em nove quadrados, cada um com um tom diferente de preto.
Não se preocupe se não conseguir ver na foto. É difícil ver mesmo quando você está na frente da pintura. Nela ensaio sobre Reinhardt para o Guggenheim, Nancy Spector descreve as telas de Reinhardt como "quadrados pretos suaves contendo formas cruciformes quase imperceptíveis [que] desafiam os limites da visibilidade" 2.
Fonte:
1. Cor na Arte por John Gage, p.205
2. Reinhardt por Nancy Spector, Museu Guggenheim (acessado em 5 de agosto de 2013)
Pintura de Londres de John Virtue
O artista britânico John Virtue pinta paisagens abstratas apenas em preto e branco desde 1978. Em um DVD produzido pela London National Gallery, Virtue diz que trabalhar em preto e branco o força "a ser inventivo... a reinventar". Evitando a cor "se aprofunda meu sentido de qual cor existe... O sentido da realidade do que vejo... é melhor, mais preciso e mais transmitido por não ter uma paleta de óleo pintar. A cor seria um beco sem saída. "
Esta é uma das pinturas londrinas de John Virtue, feita enquanto ele era um artista associado na National Gallery (de 2003 a 2005). O Site da National Gallery descreve as pinturas da Virtue como tendo "afinidades com a pintura oriental com pincel e o expressionismo abstrato americano" e se relacionando intimamente com "o grande inglês pintores de paisagem, Turner e Constable, a quem Virtue admira enormemente ", além de serem influenciados pelas" paisagens holandesas e flamengas de Ruisdael, Koninck e Rubens ".
A virtude não dá títulos às suas pinturas, apenas números. Em uma entrevista na edição de abril de 2005 da Artistas e ilustradores revista, Virtue diz que começou a numerar seu trabalho cronologicamente em 1978, quando começou a trabalhar em monocromático:
"Não há hierarquia. Não importa se tem 28 pés ou três polegadas. É um diário não verbal da minha existência. "
Suas pinturas são simplesmente chamadas de "Paisagem nº 45" ou "Paisagem nº 630" e assim por diante.
The Art Bin - Michael Landy
A exposição Art Bin do artista Michael Landy aconteceu no South London Gallery de 29 de janeiro a 14 de março de 2010. O conceito é enorme (600m3) lixeira construída no espaço da galeria, na qual a arte é jogada fora, "um monumento ao fracasso criativo"1.
Mas não qualquer arte antiga; você tinha que se inscrever para jogar sua arte no lixo, online ou na galeria, com Michael Landy ou um de seus representantes decidindo se ela poderia ser incluída ou não. Se aceito, era jogado no lixo de uma torre em uma das pontas.
Quando eu estava na exposição, várias peças foram jogadas, e a pessoa que fez o lançamento tinha muita prática pela maneira como ele foi capaz de fazer uma pintura deslizar direto para o outro lado do recipiente.
A interpretação da arte desce o caminho de quando / por que a arte é considerada boa (ou lixo), a subjetividade no valor atribuído à arte, o ato de colecionar arte, o poder dos colecionadores de arte e galerias de fazer ou quebrar o trabalho do artista carreiras.
Certamente foi interessante caminhar pelas laterais olhando o que havia sido jogado, o que havia quebrado (muitos pedaços de poliestireno) e o que não estava (a maioria das pinturas em tela estavam inteiras). Em algum lugar na parte inferior, havia uma grande gravura de caveira decorada com vidro de Damien Hirst e uma peça de Tracey Emin. Em última análise, o que poderia ser seria reciclado (por exemplo, macas de papel e tela) e o restante destinado a aterros sanitários. Enterrado como lixo, improvável que seja desenterrado daqui a séculos por um arqueólogo.
Fonte:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), site da South London Gallery, acessado em 13 de março de 2010.
Barack Obama - Shepard Fairey
Esta pintura do político americano Barack Obama, colagem estêncil de mídia mista, foi criada por um artista de rua de Los Angeles, Shepard Fairey. Foi a imagem do retrato central usada na campanha de Obama para as eleições presidenciais de 2008 e distribuída como uma versão impressa de edição limitada e download gratuito. Agora está na National Portrait Gallery em Washington DC.
1. "Para criar seu pôster de Obama (o que ele fez em menos de uma semana), Fairey pegou uma fotografia de jornal do candidato da Internet. Ele buscou um Obama que parecesse presidencial... O artista então simplificou as linhas e a geometria, empregando uma paleta patriótica vermelha, branca e azul (com a qual ele brinca tornando o branco um bege e o azul um tom pastel)... palavras em negrito ...
2. "Seus pôsteres de Obama (e muitos de seus trabalhos comerciais e de belas artes) são retrabalhos das técnicas de propagandistas revolucionários - as cores brilhantes, letras em negrito, simplicidade geométrica, poses heróicas. "
Fonte:
"Endosso na parede de Obama" por William Booth, Washington Post 18 de maio de 2008.
"Requiem, Rosas Brancas e Borboletas" - Damien Hirst
O artista britânico Damien Hirst é mais famoso por seus animais preservados em formaldeído, mas aos 40 anos voltou à pintura a óleo. Em outubro de 2009 expôs pinturas criadas entre 2006 e 2008 pela primeira vez em Londres. Este é um exemplo de uma pintura ainda não famosa de um artista famoso que vem de sua exibição na Wallace Collection em Londres, intitulada "No Love Lost". (Datas: 12 de outubro de 2009 a 24 de janeiro de 2010.)
BBC Notícias citou Hirst como dizendo.
“Agora ele só pinta à mão”, que por dois anos suas “pinturas eram constrangedoras e eu não queria qualquer um que entrasse. "e que" teve que reaprender a pintar pela primeira vez desde que era adolescente. aluna."1
O comunicado de imprensa que acompanha a exposição Wallace disse:
"'Blue Paintings' testemunha uma nova direção ousada em seu trabalho; uma série de pinturas que, nas palavras do artista, estão 'profundamente conectadas ao passado'. "
Colocar tinta na tela é certamente uma nova direção para Hirst e, para onde Hirst for, os alunos de arte provavelmente a seguirão. A pintura a óleo pode ficar na moda novamente.
O guia do About.com para viagens de Londres, Laura Porter, foi ao preview da imprensa da exposição de Hirst e obteve uma resposta para a única pergunta que eu queria saber: Que pigmentos azuis ele estava usando?
Laura foi informada que era "Azul da Prússia para todas, exceto uma das 25 pinturas, que é preta. "Não é de admirar que seja de um azul tão escuro e fumegante!
O crítico de arte Adrian Searle de O guardião não foi muito favorável sobre as pinturas de Hirst:
"Na pior das hipóteses, o desenho de Hirst parece apenas amador e adolescente. Sua pincelada não tem aquele vigor e talento que faz você acreditar nas mentiras do pintor. Ele ainda não pode levar isso adiante. "2
Fonte:
1 Hirst 'Desiste de Animais em Conserva', BBC News, 1 de outubro de 2009
2. "As pinturas de Damien Hirst são mortalmente maçantes, "Adrian Searle, Guardião, 14 de outubro de 2009.
Artistas famosos: Antony Gormley
Antony Gormley é um artista britânico talvez mais famoso por sua escultura Angel of the North, inaugurada em 1998. Fica em Tyneside, nordeste da Inglaterra, em um local que já foi uma mina de carvão, dando as boas-vindas a você com suas asas de 54 metros de largura.
Em julho de 2009, a arte da instalação de Gormley no Quarto Plinto da Trafalgar Square em Londres viu um voluntário parado por uma hora no pedestal, 24 horas por dia, durante 100 dias. Ao contrário dos outros pedestais da Trafalgar Square, o quarto pedestal diretamente fora da National Gallery, não tem uma estátua permanente nele. Alguns dos participantes eram artistas e esboçaram seu ponto de vista incomum (foto).
Antony Gormley nasceu em 1950, em Londres. Ele estudou em várias faculdades no Reino Unido e o budismo na Índia e no Sri Lanka, antes de se dedicar à escultura na Slade School of Art em Londres entre 1977 e 1979. Sua primeira exposição individual foi na Whitechapel Art Gallery em 1981. Em 1994, Gormley ganhou o Prêmio Turner com seu "Campo para as Ilhas Britânicas".
Sua biografia em seu local na rede Internet diz:
... Antony Gormley revitalizou a imagem humana na escultura através de uma investigação radical do corpo como um lugar de memória e transformação, usando seu próprio corpo como sujeito, ferramenta e material. Desde 1990 ampliou sua preocupação com a condição humana para explorar o corpo coletivo e a relação entre si e o outro em grandes instalações ...
Gormley não está criando o tipo de figura que cria porque não consegue fazer estátuas de estilo tradicional. Em vez disso, ele sente prazer com a diferença e a capacidade que eles nos dão para interpretá-los. Em uma entrevista com Os tempos1, ele disse:
"As estátuas tradicionais não são sobre potencial, mas sobre algo que já está completo. Eles têm uma autoridade moral que é opressora ao invés de colaborativa. Minhas obras reconhecem seu vazio. "
Fonte:
Antony Gormley, o homem que quebrou o molde de John-Paul Flintoff, The Times, 2 de março de 2008.
Pintores britânicos contemporâneos famosos
Da esquerda para a direita, os artistas Bob e Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakee Alison Watt.
A ocasião foi uma visão da pintura Diana e Actaeon de Ticiano (invisível, à esquerda) na National Gallery de Londres, com o objetivo de arrecadar fundos para comprar o quadro para a galeria.
Artistas famosos: Lee Krasner e Jackson Pollock
Destes dois pintores, Jackson Pollock é mais famoso do que Lee Krasner, mas sem o apoio dela e promoção de sua arte, ele pode muito bem não ter o lugar na linha do tempo da arte que tem. Ambos pintados em um estilo expressionista abstrato. Krasner lutou por aclamação da crítica por seus próprios méritos, em vez de apenas ser considerada a esposa de Pollock. Krasner deixou um legado para estabelecer o Fundação Pollock-Krasner, que concede bolsas a artistas visuais.
Cavalete de escada de Louis Aston Knight
Louis Aston Knight (1873--1948) foi um artista americano nascido em Paris conhecido por suas pinturas de paisagens. Ele inicialmente treinou com seu pai artista, Daniel Ridgway Knight. Ele expôs no Salão Francês pela primeira vez em 1894 e continuou a fazê-lo ao longo de sua vida, ao mesmo tempo que foi aclamado na América. A pintura dele The Afterglow foi comprado em 1922 pelo presidente dos EUA Warren Harding para a Casa Branca.
Esta foto do Arquivos de arte americana, infelizmente, não nos dá uma localização, mas você tem que pensar que qualquer artista disposto a entrar a água com sua escada de cavalete e tintas era muito dedicada a observar a natureza ou bastante showman.
1897: uma aula de arte feminina
Esta foto de 1897 do Arquivos de arte americana mostra uma aula de arte feminina com o instrutor William Merritt Chase. Naquela época, homens e mulheres frequentavam aulas de arte separadamente, onde, devido à época, as mulheres tinham a sorte de poder cursar uma educação artística.
Art Summer School c.1900
Alunos de arte nas aulas de verão da St Paul School of Fine Arts, Mendota, Minnesota, foram fotografados em cerca de 1900 com o professor Burt Harwood.
Moda à parte, grandes chapéus de sol são muito práticos para pintando ao ar livre uma vez que mantém o sol longe de seus olhos e evita que seu rosto fique queimado de sol (assim como um top de mangas compridas).
"Nelson's Ship in a Bottle" - Yinka Shonibar
Às vezes, é a escala de uma obra de arte que dá um impacto dramático, muito mais do que o assunto. "Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar é uma dessas peças.
"Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar é um navio de 2,35 metros de altura dentro de uma garrafa ainda mais alta. É uma réplica em escala de 1:29 do carro-chefe do vice-almirante Nelson, HMS Vitória.
"Nelson's Ship in a Bottle" apareceu no Quarto Plinto em Trafalgar Square, em Londres, em 24 de maio de 2010. O quarto pedestal ficou vazio de 1841 até 1999, quando o primeiro de uma série contínua de obras de arte contemporâneas, encomendadas especificamente para o pedestal pela Quarto Grupo de Comissionamento do Plinto.
A arte antes de "Nelson's Ship in a Bottle" era One & Other de Antony Gormley, em que uma pessoa diferente ficava no pedestal por uma hora, o tempo todo, por 100 dias.
De 2005 a 2007 você pode ver uma escultura de Marc Quinn, Alison Lapper grávidae, a partir de novembro de 2007, foi Model for a Hotel 2007 de Thomas Schutte.
Os desenhos de batique nas velas de "Nelson's Ship in a Bottle" foram impressos à mão pelo artista em uma tela, inspirados em tecidos da África e na história deles. A garrafa tem 5x2,8 metros, feita de perspex, não de vidro, e a abertura da garrafa é grande o suficiente para subir para dentro da construção do navio.
Formato
mlaapaChicagoSua citação
Boddy-Evans, Marion. "54 pinturas famosas feitas por artistas famosos." ThoughtCo, março 18, 2021, thinkingco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18 de março). 54 pinturas famosas feitas por artistas famosos. Obtido de https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 pinturas famosas feitas por artistas famosos." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (acessado em 29 de março de 2021).
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